dichiarazione artista

Gli artisti del periodo impressionista francese influenzano in particolare le mie immagini d’arte digitali. Su suggerimento di artisti di talento contemporanei, tento di studiare lo stile di questi artisti e di esprimere in modo creativo l’omaggio delle loro opere in formato digitale – immagine. Per varietà, io uso le altre immagini del maestro storico e sculture – in particolare le opere di Michelangelo, ma il lavoro degli uomini e delle donne chiamati impressionisti continua a influenzare il mio portafoglio arte visiva.

Whispering Waters per Allio

Whispering Waters | ©2003 Allio

Il 15 aprile 1874, ventinove artisti si sono riuniti per presentare una mostra a Parigi, Francia, sotto il nome del gruppo del Société Anonyme des Artistes . Era la prima di quello che sarebbe otto spettacoli da questo collettivo per un periodo di dieci anni. Anche se volutamente anonimo, al momento, e un obiettivo di attacchi feroci da parte della critica tradizionalisti, i nomi di Renoir, Monet, Pissarro, Cézanne e ora in cima alla lista dei maestri dell’impressionismo.

Il nome dello stile dell’arte venuto da Impressione, sole una tela di Monet. Originariamente pensato per essere un titolo dispregiativo per la non tradizionali, se non addirittura scandaloso – per il periodo in cui fu dipinta – pennellata, le immagini della impressionista è stato un approccio rivoluzionario – riflettente di quei tempi rivoluzionari – per l’uso della luce, colori e texture in immagini artistiche.

Le opere di questi maestri Impressionismo fanno da contrappunto artistico degno al realismo della fotografia artistica moderna. Entrambi esprimono il diritto dell’artista di riflettere e di riflessione creativamente impressioni di un dato soggetto.

Molti di questi artisti potrebbe iniziare con schizzi o studi di un’immagine prima della verniciatura. Nella mia interpretazione digitale di un’immagine, comincio con una fotografia, poi a volte migliorare digitalmente lo studio figura. Lo stile si approssima a quello di Pierre-Auguste Renoir, Edouard Manet o Edgar Degas – tre dei miei favoriti personali .

Liberato dal vincolo di lavoro in studio, alcuni impressionisti hanno cominciato a lavorare all’aperto, o in loco, migliorando le opere di una generazione precedente di paesaggisti olandesi e inglesi. La maggior parte dei ritratti e nature opere d’arte di vita ha continuato ad essere realizzato in studio, anche alcuni paesaggi sono, per tradizione, completate anche lì. Allo stesso modo, il concetto di lavoro all’aperto è consapevolmente riflette nel mio lavoro arte digitale, che è poi finito nel mio studio elettronico .

Le tecniche di posa e meccaniche di questi artisti ha influenzato anche le mie immagini. Le pose e le impostazioni sono difficili da replicare in fotografia. Le tecniche meccaniche di disegno e pittura con pixel digitali sono una competenza acquisita.

Alcuni esempi di queste tecniche in posa può essere visto in schizzo nero – gesso su carta di Degas per la sua Studio per una scena di guerra nel Medioevo , nell’olio Manet su tela dal titolo Olympia che a sua volta era una somiglianza del 1538 olio di Tiziano su tela La Venere di Urbino, e in un olio post-impressionista su tela intitolato Le bagnanti di Renoir.

Il modello in Olympia è stato Victorine Meurent, un artista di Salon- esposto nel suo pieno diritto. L’impiego di artisti e fotografi come modelli è una tradizione che mi sforzo di continuare perché della chimica tonificante, la libertà istintuale, e la comprensione intrinseca migliora il processo artistico di collaborazione.

Oltre agli oli, i maestri utilizzate gessetti, pastelli, carboncini e su varie superfici nello sviluppo delle loro opere d’arte. Camille Pissarro usato pastelli su tela per il suo La Sarta. Tre Ballerini russi di Degas è un esempio di pastelli su carta. Renoir Nudo in Sunlight esemplifica pennellate contrastanti in olio su tela.

La mia decisione di potenziare i vari processi di mio mestiere studiando gli stili di questi impressionisti segue una lunga storia di istruzione dell’arte. I primi studenti del Louvre si aspettava di spendere almeno cinque anni di copiare le tecniche di un artista maestro con l’aspettativa che questi stili sarebbero perpetuati in proprio il lavoro dello studente. Prendendo in prestito influenze da altri artisti è un gesto di rispetto – un omaggio – alle loro competenze e maestria.